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Category Archives: Rock pelo mundo

METALLICA ANUNCIA SEGUNDA RODADA DE DOAÇÕES PARA O AUXÍLIO CONTRA A COVID-19

A fundação All Within My Hands, do Metallica, fornecerá uma segunda rodada de novas doações a cinco organizações que fazem um trabalho essencial durante a pandemia de coronavírus. Além de continuar a apoiar a Feeding America, que faz parceria com bancos de alimentos nos Estados Unidos, eles também ajudarão a Crew Nation, iniciativa da Live Nation para fornecer alívio às equipes de turnê e local; a Bartenders Guild Foundation, dos Estados Unidos, que beneficia trabalhadores e funcionários de bares nos setores de serviços;  Direct Relief, que visa apoiar profissionais médicos e socorristas nos EUA; e a MusicCares, que  é uma organização que está ajudando os profissionais da indústria da música afetados pela pandemia.

O Metallica disse em um comunicado: “Estamos realmente impressionados com a generosidade dos fãs e amigos em todo o mundo, pois muitos continuarão enfrentando desafios inimagináveis ​​após a pandemia do coronavírus. Graças às suas contribuições de nossos angariadores de fundos durante as #MetallicaMondays, em nosso #MonthOfGiving e também diretamente no nosso site, além de uma doação substancial de nossos amigos da @salesforce, estamos animados em anunciar que a #AWMH fornecerá uma segunda rodada de novas doações no total de US $ 295.000 a cinco organizações que fazem um trabalho essencial durante este período difícil .

“Além de continuar a apoiar a @feedingamerica, a @directrelief, a iniciativa #CrewNation da @livenation e o Programa de Assistência de Emergência para Bartender (BEAP) através do @usbgncf, temos o orgulho de anunciar um quinto beneficiário ao fazer parceria com a @musicares, em sua esforços para ajudar os profissionais da indústria da música afetados pela pandemia”.

O objetivo da fundação All Within My Hands, lançada em 2016 em San Rafael, Califórnia, é ajudar a criar comunidades sustentáveis, abordando as questões da fome e da educação da força de trabalho e incentivando o voluntariado.

A família Metallica e os membros do conselho da fundação All Within My Hands estão comprometidos em administrar uma organização da mais alta integridade, em que as despesas são reduzidas ao mínimo e são pagas integralmente pela banda, pelo conselho e pelos amigos que trabalharam com a banda. muitos anos e estamos empolgados em ajudar nessa missão. Como tal, 100% de todas as doações de fãs e terceiros vão para as organizações que o AWMH apoia.

Fonte: Blabbermouth

Queen: filme “Bohemian Rhapsody 2” só rolaria se aparecesse “ideia de gênio”

O baterista Roger Taylor, do Queen, conversou com a Rolling Stone sobre a chance de lançar um segundo filme a respeito da banda – uma espécie de “Bohemian Rhapsody 2”. O músico descartou a possibilidade, a não ser que apareça alguém com uma “ideia de gênio”.

Inicialmente, o entrevistador contou que conversou com o guitarrista da banda, Brian May, há alguns meses e que, na ocasião, ele revelou que existiram conversas sobre um novo filme do Queen. Porém, tanto May quanto Roger Taylor decidiram que não iria acontecer.

Agora, Taylor destacou que não há qualquer plano para um novo filme. “Acho que precisamos olhar para trás e refletir se isso seria algo crível ou credível de se fazer. O filme fez muito sucesso. Ficamos encantados, obviamente. Porém, eu não gostaria de ser visto como alguém que está lucrando. Teria que ser um roteiro muito, muito bom e um cenário que fizesse funcionar. Agora, não consigo pensar em nenhuma forma de fazer uma sequência”, afirmou.

O baterista concorda que os anos finais do Queen, após o show no Live Aid em 1985 (onde o filme se encerra), foram bastante movimentados. O vocalista Freddie Mercury morreu em 1991, em decorrência do vírus HIV, mas gravou três álbuns com a banda e lançou dois discos solo (um deles, com Montserrat Caballé) antes de falecer, além de ter realizado uma turnê final.

“Se alguém chegar com uma ideia de gênio, talvez a gente pense sobre isso (risos). Agora, estamos muito felizes com o que o filme conquistou. Há tantas sequências que não combinam com o filme original. Há, obviamente, algumas que funcionam, mas acho que é um território perigoso”, disse Taylor.

Ainda durante o bate-papo, Roger Taylor refletiu sobre à “nova fama” que o filme “Bohemian Rhapsody” deu ao Queen nos Estados Unidos. A banda teve momentos impopulares no país, especialmente a partir da década de 1980.

“Julgando pela última turnê, tivemos um grande público (nos Estados Unidos). Todos os ingressos vendidos. Foi muito gratificante. Acho que tivemos uma nova infusão de fãs mais jovens que viram o filme e curtiram. Provavelmente, ouviram algumas de nossas músicas em eventos esportivos ou algo assim, mas não nos conheciam de verdade. Ficamos muito gratos por conseguirmos durar por mais gerações”, afirmou.

SLASH AFIRMA QUE ESTÁ FOCADO NO NOVO ÁLBUM DO GUNS N’ ROSES

Slash atualizou os fãs sobre o futuro material inédito do Guns N’ Roses. Em entrevista ao Sweetwater, o guitarrista afirmou que tem gravado novidades durante a quarentena e também tocando com Axl Rose e Duff McKagan.

“Eu tenho sido praticamente uma pessoa caseira, mas estive indo e vindo entre o meu estúdio em casa e escrevendo e gravando sozinho”, declarou Slash. “Eu tenho tocado com o Duff e também com Axl, e tenho feito coisas assim, então estamos fazendo algum trabalho dessa maneira”.

O guitarrista garante que tem se dedicado exclusivamente ao Guns N’ Roses desde que começou o confinamento. “Eu basicamente estou focado em escrever novas músicas e gravar demos e gravar coisas de guitarra para o Guns e tudo mais”.

Kasabian: vocalista Tom Meighan deixa a banda

Tom Meighan, vocalista do Kasabian, anunciou que está deixando a banda para resolver problemas pessoais. Em um comunicado publicado no Twitter, o grupo  disse que “Meighan precisa concentrar todas as suas energias para colocar sua vida de volta nos trilhos”.

A declaração informa que Tom está saindo do Kasabian por consentimento mútuo e que ele vem enfrentando problemas pessoais que afetam seu comportamento há algum tempo.

Meighan foi o vocalista do grupo britânico desde sua criação em Leicester, em 1997.O seu último álbum com banda foi gravado em 2017, For Crying Out Loud.

Ainda não está claro se o Kasabian seguirá após a partida de seu vocalista. A banda informou que neste momento não fará mais comentários.

Bob Dylan é o primeiro artista com os 40 melhores LPs em sete décadas diferentes

Bob Dylan estabeleceu um novo recorde assustador com seu mais recente LP, Rough and Rowdy Ways , tornando-se o primeiro artista a alcançar o Top 40 da parada de álbuns da Billboard 200 em cada década desde os anos 60.

O registro, que estreou como número 2 na semana passada, marcou mais alto entrada prontuário do compositor desde 2009 é  Together Through Life , que alcançou a posição número 1. Rough and Rowdy Ways é agora 23 top 10 LP e 50 de Dylan para quebrar o Top 40, Relatórios de outdoor .

A longevidade de Dylan no sucesso das paradas do Top 40 é surpreendente. Ele alcançou oito entradas nos anos 60 (incluindo The Freewheelin ‘Bob Dylan , 1964, The Times They are a-Changin ‘ , 1965’s Bringing All Back Home  and Highway 61 Revisited , 1966’s Blonde on Blonde , 1966 Blonde on Blonde , 1919 John Wesley Harding  e Nashville 1969 Skyline ) e uns 14 incríveis nos anos 70 (incluindo New Morning e Self Portrait dos anos 70 , Pat Garrett e Billy the Kid de 1973, Planet Waves de 1974 , 1975 », Desire de 1976 , Street-Legal de  1978 e Slow Train Coming de 1979 ).

Ele ganhou sete nos anos 80 ( Saved de 1980 , Shot of Love de 1981, Infidels de 1983 , Empire Burlesque de 1985  e Oh Mercy de 1989 ) e quatro de carreira baixa nos anos 90 (incluindo Under the Red Sky  e Time Out of 1997 de 1990) Mente ).

Impulsionado em parte por sua série de arquivos  Bootleg , Dylan voltou a subir com sete álbuns do Top 40 nos anos 2000 (incluindo Love and Theft , de 2001, Modern Times de 2006  e Together Through Life, de 2009 ) e nove nos anos 10 (incluindo Tempest de 2012 , 2015 de Shadows in the Night , 2016 Fallen Angels  e 2017 do Triplicate ).

No total, Dylan ganhou cinco álbuns número um: Planet Waves , Blood on the Tracks , Desire , Modern Times e Together Through Life .

Rough and Rowdy Ways apresenta o “Murder Most Foul”, de 17 minutos , que liderou o ranking de vendas de músicas digitais da Billboard, tornando-se o primeiro número 1 de Dylan em qualquer um dos charts da publicação. O disco também apresenta os singles “False Prophet” e “I Contain Multitudes”.

 

Bob Dylan Álbuns classificados

39. “Knocked Out Loaded” (1986)

Em 1986, Dylan fez uma turnê com Tom Petty e os Heartbreakers como sua banda de apoio. Mais tarde naquele ano, ele lançou seu 24º álbum com o grupo tocando em várias músicas. O que poderia dar errado? Tudo, começando com a falta de músicas memoráveis ​​(exceto o épico de 11 minutos “Brownsville Girl”, co-escrito com o dramaturgo Sam Shepard). Capas, originais preguiçosos e mais colaborações figuram nesse desastre que não pode ser ouvido e esquecido rapidamente. Demoraria um pouco antes de Dylan se recuperar disso.

38. ‘Saved’ (1980)

O segundo dos três álbuns de Dylan, nascido de novo, é o mais pregador … e o pior. A arte da capa original (e rapidamente substituída) – com Jesus chegando a um mar de mãos agarradas – diz tudo o que você precisa saber sobre o conteúdo de ‘Saved’. Cristo, o que ele estava pensando?

37. ‘Down in the Groove’ (1988)

Quase tão ruim quanto seu antecessor, o terrível ‘Knocked Out Loaded’, de 1986, ‘Down in the Groove’ seguiu um padrão semelhante, até a longa lista de colaboradores que trazem pouco para o registro. O álbum ficou na prateleira por um tempo e vasculhou vários anos de sobras de sessão antes de finalmente ser lançado. É infeliz, do começo ao fim.

36. ‘Shot of Love’ (1981)

O último disco gospel de Dylan incluiu uma de suas melhores músicas dos anos 80, a celestial “Every Grain of Sand”. Também gerou um lado B, “O noivo ainda está esperando no altar”, que está entre as faixas mais difíceis em anos. Tudo o resto, para parafrasear um de seus cortes, é Dylan diluído.

35. “Empire Burlesque” (1985)

Afastando a maior parte da boa vontade que ele gerou com “Infidels”, de 1983, Dylan se curva a sintetizadores, buzinas e a produção exagerada dos anos 80 em “Empire Burlesque”. Os fãs gostam de apontar para o fechamento “Dark Eyes” como uma jóia acústica solo reminiscente. Dificilmente compensa tudo o que vem antes.

34. “Por mais que eu estivesse com você” (1992)

Um retorno concertado à música folk despojada que Dylan tocou no início de sua carreira, ‘Good as I Been to You’, seguiu anos de discos cada vez mais densos e superproduzidos. Foi o primeiro álbum acústico de Dylan em quase 30 anos. Mas ele dá passos hesitantes, como se não estivesse totalmente confortável com seus velhos limites. ‘World Gone Wrong’, que rapidamente se seguiu ao próximo ano, é muito melhor e uma exploração mais forte e mais confiante do mesmo conceito.

33. “Dylan” (1973)

A Columbia lançou ‘Dylan’ depois que o artista saltou para outra gravadora. O próprio Dylan não estava satisfeito. As nove músicas (todas as capas, variando de números tradicionais a um corte de Joni Mitchell) foram deixadas nas sessões de ‘Self Portrait’ e ‘New Morning’. Durante anos, nem estava disponível, o que deveria lhe dar uma avaliação clara dessa bagunça.

32. ‘Auto-retrato’ (1970)

O primeiro sinal de que havia uma rachadura na etiqueta “genial” que Dylan carregava por quase uma década: ‘Self Portrait’ chegou como uma coleção de álbuns duplos de músicas cover (algumas tradicionais, outras escritas por contemporâneos como Paul Simon), um punhado de originais preguiçosos e versões ao vivo espalhadas de clássicos de seu passado. Pior, muitas das faixas foram enterradas em uma mistura recheada de cordas, buzinas e vocais mawkish. O projeto foi reexaminado com melhores resultados em ‘Another Self Portrait’, um conjunto de 2013 ‘Bootleg Series’ que removeu a seiva.

31. ‘Natal no coração’ (2009)

Mesmo tendo sido criado judeu (mas depois se tornado um cristão nascido de novo), Dylan sempre quis fazer um álbum de Natal. Em 2009, ele teve sua chance, gravando favoritos religiosos e seculares de uma maneira direta que é ao mesmo tempo emocionante e sufocante. Continua sendo um objeto curioso mais que qualquer outra coisa. E pelo menos mantém o espírito da temporada: todos os lucros foram doados para caridade.

30. ‘Under the Red Sky’ (1990)

Após o álbum de retorno de 1989 ‘Oh Mercy’, Dylan voltou com um projeto de estrelas que incluía contemporâneos (George Harrison, Elton John), além de algumas armas mais novas (Slash, Stevie Ray Vaughan). E em uma carreira que tem sua parte de voltas e reviravoltas, ‘Under the Red Sky’ é considerado um dos passeios mais bizarros de Dylan, um álbum que contorna a linha entre um LP pop e um disco infantil.

29. “Pat Garrett e Billy the Kid” (1973)

Dylan compôs a trilha sonora e teve um papel no filme de Sam Peckinpah sobre o longo e complicado relacionamento entre o policial do Velho Oeste e o famoso fora da lei. Quase toda a música é fundamental, além do sucesso “Knockin ‘on Heaven’s Door”, que rapidamente se tornou uma das músicas mais populares de Dylan. O resto é Americana empoeirada, servida por um filtro do início dos anos 70.

28. “O mundo deu errado” (1993)

A sequência do retorno acústico de 1992, ‘Good as I Been To You’, é ainda melhor, uma coleção mais baseada em blues do que seu antecessor de folk. Mais importante, ‘World Gone Wrong’ pode ser visto como o prelúdio do renascimento criativo de Dylan, que começou com seu próximo álbum, ‘Time Out of Mind’, de 1997. Esse conjunto de arrancar raízes certamente o levou até lá.

27. ‘Anjos caídos’ (2016)

Como ‘Shadows in the Night’ de 2015, ‘Fallen Angels’ é o tributo de Dylan ao Great American Songbook por Frank Sinatra. E, como no seu antecessor, Dylan interpreta intérprete da velha escola aqui, sacudindo as teias de aranha das músicas dos anos 40 e 50. Outros fizeram melhor, mas não há dúvida de que Dylan quer dizer cada palavra que ele canta.

26. ‘Triplicado’ (2017)

O terceiro álbum de padrões de Dylan em três anos (e seu primeiro conjunto de três LPs) continua sua jornada sentimental no passado. Mas ele consegue injetar desespero até na música mais leve daqui, lendo uma corrente obscura nessas músicas que os escritores podem ou não ter pretendido.

25. ‘Juntos pela vida’ (2009)

O retorno de Dylan ao final da carreira atingiu um pequeno salto com este álbum de 2009, que ainda conseguiu estrear no primeiro lugar. Começou a vida como uma trilha sonora de um filme francês pouco visto, o que pode explicar suas músicas um tanto fugazes e frágeis, várias que fazem referência a números obscuros de folk e blues do passado de Dylan. Por fim, parece apressado e meio formado.

24. ‘Sombras na noite’ (2015)

Para este álbum de padrões, Dylan mergulhou no Great American Songbook e lançou uma coleção de músicas normalmente associadas a cantores mais estruturados. Há pouca dúvida de que Dylan tem afinidade com esses números, e suas leituras grosseiras são pelo menos sinceras, mas é por vezes sentimental e desajeitada, nenhuma das quais jamais fez bem a Dylan ou seus fãs.

23. “Trem lento chegando” (1979)

O primeiro dos três álbuns de Dylan também é o melhor, um disco em que a mensagem, na maioria das vezes, não atrapalha a música. Mark Knopfler toca guitarra e o álbum foi gravado no Muscle Shoals Studio com o produtor Jerry Wexler, que trabalhou em algumas das melhores músicas de R&B dos anos 60. Então é pelo menos comovente em partes, e Dylan parece comprometido com sua causa.

22. Street Legal (1978)

Dylan expandiu o som e os temas de “Desire”, de 1976, em seu acompanhamento, buzinas em camadas e cantoras de apoio em cima de músicas que sugeriam seu próximo estágio. Às vezes é sombrio, tanto musical quanto liricamente, mas há um soco pop no material que muitas vezes foge do trabalho de Dylan. Não é um sucesso total, mas é melhor do que o crédito.

21. ‘New Morning’ (1970)

Provavelmente o álbum mais subestimado de Dylan, ‘New Morning’, seguiu rapidamente o terrível ‘Auto-retrato’, e enquanto estilisticamente os dois álbuns são um pouco semelhantes, o material original e as performances entusiasmadas aumentam imensamente a diferença. De certa forma, é um retrocesso para o trabalho de Dylan nos anos 60, quando ele cuspiu falas com doses iguais de paixão e despeito.

20. ‘Infiéis’ (1983)

Dylan teve mais retornos do que qualquer outro artista musical em que podemos pensar (principalmente porque ele já existe há tempo suficiente para ter tantos). Um de seus mais fortes seguiu a trilogia frequentemente desprezada, nascida de novo, com músicas que manipulavam o pessoal e o político, além de algumas das melhores performances (de uma banda de apoio que incluía Mark Knopfler, que co-produziu e lendas do reggae, Sly Dunbar e Robbie Shakespeare), encontrado em um disco de Dylan desde os anos 60.

19. ‘Planet Waves’ (1974)

O primeiro álbum número 1 de Dylan também foi uma reunião com a banda, que se tornou estrela desde a última vez em que tocaram juntos no então não lançado, em 1967, ‘Basement Tapes’. (Dylan e a banda também pegaram a estrada juntos em apoio ao álbum, o primeiro que ele excursionou desde seus lendários shows de 1966 com o grupo.) Após a natureza sombria dos lançamentos mais recentes de Dylan, ‘Planet Waves’ é um retorno triunfante . Mas a verdadeira história aqui é o retorno da banda como seu grupo de apoio, e todos aproveitam ao máximo a reunião.

18. ‘Caminhos ásperos e turbulentos’ (2020)

Depois de passar a maior parte dos anos 10 olhando para trás com vários volumes da ‘Bootleg Series’ e três álbuns do American Songbook, Dylan retornou nos anos 20 com seu primeiro álbum de material novo em oito anos. E não poderia ter sido mais oportuno. Com o mundo se recuperando de uma pandemia e outros eventos que mudam a vida, ‘Rough and Rowdy Ways’ soou como um sinal dos tempos, especialmente o épico de 17 minutos de encerramento do álbum, “Murder Most Foul”, que é positivamente shakespeariano em seu escopo. como vincula o assassinato de JFK a movimentos da cultura pop do século XX e muito mais.

17. ‘Tempestade’ (2012)

Como a maioria dos álbuns de retorno de Dylan, ‘Tempest’ é uma mistura de velhos temas de narrativa, acenos líricos e referências bíblicas. Ele aborda o amor, a vida, a mortalidade e a história em tons amplos e rigidamente construídos. E é tão musicalmente som e sem graça quanto você esperaria de Dylan nesta fase de sua carreira.

16. ‘Bob Dylan’ (1962)

O álbum de estréia de Dylan é um marco popular e um marco decisivo no renascimento do gênero nos anos 60. Simplesmente não é muito original. Ele escreveu apenas duas das 13 faixas e muda de estilo e tom para se adequar aos arranjos. Mas você pode ouvir a futura lenda começando a coçar essa coceira, em seu discurso frenético e em sua inquieta pesquisa de quem chegou lá antes dele.

15. ‘Outro Lado de Bob Dylan’ (1964)

O outro lado prometido no quarto álbum de Dylan revela músicas mais pessoais, em vez das politicamente inclinadas encontradas em seus discos anteriores. Músicas de relacionamento (como “Tudo o que eu realmente quero fazer” e “Não sou eu, babe”) dominam, mas ele não abandona totalmente a arena social: “Chimes of Freedom” é um companheiro digno de “The Times They Are A-Changin ‘. “

14. ‘Oh Mercy’ (1989)

Outro álbum de retorno, ‘Oh Mercy’ chegou no final de uma década particularmente difícil para Dylan, que passou a maior parte dos anos 80 lançando álbuns esquecíveis que ninguém queria ouvir. E comparado à maioria de seus discos daquela época, ‘Oh Mercy’ marca um retorno triunfante. Mas a produção de Daniel Lanois é um pouco atmosférica e turva demais para um artista tão direto quanto Dylan.

13. ‘Os tempos estão mudando’ (1964)

O primeiro álbum de todo o material original de Dylan também é o mais emblemático de sua personalidade na época como cantor de protesto socialmente consciente. Havia muito a ser cobrado em 1964 (embora o álbum tenha sido concluído cerca de um mês antes do assassinato de John F. Kennedy), e Dylan atinge quase todos os grandes problemas, do racismo à Guerra Fria. Não é tão divertido ou tão abrangente quanto seu antecessor, ‘The Freewheelin’ Bob Dylan ‘, mas ajudou a selar uma reputação, para melhor ou para pior.

12. ‘Nashville Skyline’ (1969)

A música country de Dylan – ele gravou em Nashville com tocadores de música e incluiu um dueto com Johnny Cash – foi incentivado por seu álbum anterior, ‘John Wesley Harding’. É descontraído, agradável … e um pouco desanimador quando Dylan tenta uma nova voz em músicas como “Lay Lady Lay”. As coisas ficaram ainda mais nebulosas em seu próximo LP, o amplamente auto-retrato ‘Self Portrait’.

11. ‘Tempos Modernos’ (2006)

O acompanhamento de ‘Love and Theft’ se aprofundou ainda mais nas raízes da música que Dylan começou a reverter. Mais do que quase qualquer disco pós-década de 1960 em seu catálogo, ‘Modern Times’ é uma homenagem à música americana em todas as suas formas, tons e cores. Dylan e sua banda tocam blues indígenas, country e rock, transformando-os em variações modernas de contos contados há cem ou mais anos.

10. “John Wesley Harding” (1967)

Após o período de turbilhão que produziu três clássicos indiscutíveis, além de uma turnê histórica, Dylan prometeu facilitar as coisas. E as músicas deste LP americano refletem essa noção, provocando uma leve tempestade de poeira enquanto Dylan tenta entender a época. Como ‘The Basement Tapes’, que também foi gravado nessa época, ‘John Wesley Harding’ é uma reação acústica a tudo o que o precedeu.

9. ‘Desejo’ (1976)

O ambicioso e vasto show de Rolling Thunder Revue de Dylan inspirou um de seus melhores álbuns, uma realização lírica e musical. O ponto alto é a abertura de “Hurricane”, uma música de oito minutos e meio sobre o boxeador Rubin Carter, que estava na prisão na época por um assassinato pelo qual foi exonerado mais tarde. Mas o resto de ‘Desire’ (um dos álbuns mais sonoros de Dylan) é igualmente empolgante e apaixonado por seus assuntos, independentemente dos livros de história (“Joey”) ou de sua vida pessoal (“Sara”).

8. ‘As fitas do porão’ (1975)

Após seu ainda debatido acidente de moto em 1966, Dylan e seu grupo de apoio em turnê (que logo se autodenominariam Band e lançariam sua própria carreira) se esconderam em uma casa remota no norte de Nova York por alguns meses em 1967 e gravaram mais de cem músicas – alguns covers, muitas novas composições de Dylan. As versões abreviadas e editadas das fitas frequentemente roubadas foram finalmente lançadas em 1975, revelando o frequentemente sério Dylan da maneira mais solta e divertida. (‘The Basement Tapes’ foi expandido para uma caixa de seis discos em 2014 como parte de ‘The Bootleg Series’.)

7. ‘Amor e roubo’ (2001)

Provando que ‘Time Out of Mind’ não foi por acaso, ‘Love and Theft’ (que se seguiu quatro anos depois) começa onde o retorno no final da carreira parou. Mas onde o álbum anterior enfrentou a mortalidade com o encolher de ombros de um poeta e a incerteza de um trabalhador, ‘Love and Theft’ toca como um sótão de músicas e temas que Dylan e outros deixaram para trás ao longo dos anos. Também é mais enraizado, evocando espíritos musicais longínquos da outra virada do século.

6. ‘Time Out of Mind’ (1997)

O renascimento no final da carreira começa aqui, com Dylan, em seu melhor álbum desde os anos 70, assumindo o envelhecimento, a mortalidade e as habituais lutas dylanescas de fé, amor e amizade. Sua voz já havia se tornado um instrumento de transcendência empoeirada, lembrando tanto homens de blues antes da guerra quanto os folks eternos que o influenciaram tão cedo. Uma doença quase fatal entre a gravação e o lançamento do álbum acrescentou mais tristeza aos procedimentos já meditativos.

5. ‘A roda livre em Bob Dylan’ (1963)

O segundo álbum de Dylan também é seu primeiro grande álbum, uma turnê com cafeína de sua destreza vocal e crescente confiança como compositor. Ainda existem algumas capas aqui, mas são os originais nítidos, pungentes e espirituosos (como clássicos instantâneos “Blowin ‘in the Wind” e “Don’t Think Twice, It’s All Right”) que alimentam o’ Freewheelin ”. A lenda começa aqui.

4. ‘Trazendo tudo de volta para casa’ (1965)

Este é o álbum que deu início à era mais frutífera de Dylan, e também serve como uma ponte entre sua primeira carreira como cantor de folk e protesto de espírito sério e a próxima como uma estrela do rock frequentemente contenciosa. O álbum é dividido em lados elétrico e acústico, e ambos oferecem a sua parte dos clássicos, desde a abertura “Subterranean Homesick Blues” até o encerramento “It’s All Over Now, Baby Blue”.

3. ‘Sangue nas pistas’ (1975)

É difícil dizer se este foi o primeiro dos muitos álbuns de retorno de Dylan, mas certamente é o melhor. Ele não parecia tão revigorado desde o auge dos anos 60, e as circunstâncias em torno do álbum – discórdia conjugal mais uma turnê revitalizante com seus antigos companheiros do The Band – deram a ele bastante combustível para o incêndio. Irritado, ruminante, melódico e narrativamente agudo: ‘Blood on the Tracks’ é uma obra-prima pessoal e atemporal.

2. ‘Highway 61 Revisited’ (1965)

Uma vez que Dylan se conectou e foi elétrico em 1965, não havia como detê-lo. Em menos de um ano e meio, ele gravou três LPs clássicos, incluindo sua obra-prima ‘Highway 61 Revisited’, uma reviravolta de sua imagem folclórica que enfrentava influências, expectativas e seus críticos. É amargo, engraçado, melódico, lírico e inovador. E é um dos melhores discos de rock ‘n’ roll já feitos.

1. ‘Loira em Loira’ (1966)

O golpe de mestre de Dylan ocorreu no final de uma agenda de lançamentos de 15 meses, que também incluía ‘Bringing It All Back Home’ e ‘Highway 61 Revisited’. E de certa forma, ‘Blonde on Blonde’ é o melhor do lote, uma sacola de pop, rock, folk e soul. Pouco tempo depois, Dylan se envolveu em um misterioso acidente de motocicleta que o manteria longe dos olhos do público por mais de um ano.

 

AC/DC:10 anos após o concerto final de Malcolm Young

Em 28 de junho de 2010, o guitarrista Malcolm Young subiu ao palco com sua banda, AC / DC, para um concerto em Bilbao, na Espanha. Sem o conhecimento de todos na época, seria sua apresentação final com o grupo.

O show na Espanha foi a última parada da turnê mundial da banda em apoio ao seu álbum Black Ice . Depois de mais de dois anos na estrada, incluindo paradas em 29 países diferentes, o AC / DC estava pronto para descansar.

Os problemas de saúde de Malcolm tinham pesado muito nele durante a turnê, com o guitarrista tendo que reaprender músicas que antes conhecia de cor. Ainda assim, ele estava determinado a ver a caminhada e recebeu cuidados médicos continuamente enquanto estava na estrada.

O AC / DC começou a tirar alguns anos de folga, lançando o Live at River Plat e de 2012 para saciar os fãs enquanto a banda contemplava outro LP de estúdio.

Em 2014, eles se reuniram para gravar Rock or Bust , mas Malcolm não conseguiu se juntar à banda que ele e seu irmão, Angus , haviam fundado. Um lançamento oficial na época dizia: “Após quarenta anos de vida dedicados ao AC / DC, o guitarrista e membro fundador Malcolm Young está dando um tempo na banda devido a problemas de saúde. Malcolm gostaria de agradecer às legiões obstinadas de fãs do grupo em todo o mundo por seu amor e apoio intermináveis. À luz desta notícia, o AC / DC pede que a privacidade de Malcolm e sua família seja respeitada durante esse período. A banda continuará fazendo música. ”

Embora Rock ou Bust fosse o primeiro álbum do AC / DC sem Malcolm na guitarra, o roqueiro ainda co-escreveu todas as faixas do LP. Stevie Young, sobrinho de Malcolm, que já havia participado do grupo, assumiu seu lugar, tocando no  Rock or Bust  e em sua turnê seguinte. Outras mudanças na formação começariam para a caminhada; o baterista Phil Rudd estava lutando contra problemas legais e teve que ser substituído por Chris Slade, enquanto o cantor Brian Johnson teve que se afastar do microfone devido a problemas auditivos agravados pela performance. Ele foi substituído por Axl Rose nos 22 shows finais da turnê.

Em 18 de novembro de 2017, Malcolm Young morreu devido aos efeitos da demência aos 64 anos.

As notícias da morte do roqueiro enviaram ondas de choque pelo mundo da música. Eddie Van Halen lembrou o guitarrista como “o coração e a alma do AC / DC”, enquanto Slash observou que a morte de Malcolm foi um “dia monumentalmente triste no Rock n Roll”.

Vários artistas homenagearam o músico caído com homenagens durante seus shows ao vivo, incluindo Guns N ‘Roses cobrindo “Whole Lotta Rosie”, Foo Fighters entregando “Let There Be Rock”,  Billy Joel tocando “Highway to Hell” e Chris Stapleton, estrela do country . versão emblemática de “You Shook Me All Night Long”.

Enquanto isso, o ex-colega de banda Johnson divulgou uma declaração comovente em homenagem ao seu companheiro caído. “Estou triste com a morte do meu amigo Malcolm Young”, escreveu o cantor. “Não acredito que ele se foi. Tivemos ótimos momentos na estrada. Sempre tive consciência de que ele era um gênio na guitarra, seus riffs se tornaram lendas, assim como ele. Mando meu amor e simpatia por sua esposa.” Linda, seus filhos Kara e Ross e Angus, que serão todos devastados … como todos nós. Ele deixou um legado que acho que muitos não podem igualar. Ele nunca gostou do lado da fama das celebridades, ele era humilde demais para isso.Ele foi o homem que criou o AC / DC porque disse ‘Não havia Rock’ n ‘Roll’ por aí. Tenho orgulho de conhecê-lo e chamá-lo de amigo, e vou sentir falta eu o saúdo, Malcolm Young. ”

Enquanto a morte de Malcolm deixou um buraco irreparável no AC / DC, não sinalizou o fim da banda.

Em 2018, começaram a surgir rumores sobre um novo álbum de estúdio do grupo, suspeitas que foram ainda mais elevadas quando as fotografias dos membros da banda juntos em Vancouver começaram a surgir. Rudd parecia estar de volta ao redil e, talvez mais surpreendentemente, Johnson também. O engenheiro de longa data da banda confirmou que o grupo estava “fazendo algo” no estúdio, adicionando combustível ao fogo.

A Revista JAM informou que as novas músicas foram construídas em torno de partes de guitarra gravadas por Malcolm “cinco anos antes do LP Black Ice “. “[Naquela época] Angus e Malcolm Young moravam juntos, onde literalmente escreviam centenas de músicas, muitas foram gravadas e foram escondidas.” Eles elaboraram ainda mais, explicando que Angus “selecionou as melhores faixas dessas gravações” e as usaria como os fundamentos das músicas nas quais o resto da banda iria construir.

Em dezembro de 2019,  Dee Snider  verificou a existência das músicas, twittando que um novo álbum do AC / DC estava em andamento. “Todos os quatro membros sobreviventes se reuniram com faixas gravadas por Malcolm enquanto ele ainda estava vivo” , explicou o vocalista do  Twisted Sister . “O sobrinho de Malcolm, Stevie Young, está substituindo-o (ele já fez isso algumas vezes antes). É o mais próximo possível da banda original”.

Embora essas músicas ainda não tenham visto a luz do dia, elas oferecem um vislumbre de esperança para os fãs de rock de todo o mundo. Mesmo quando observamos o aniversário da década do último show do AC / DC de Malcolm, parece provável que ouviremos seu som icônico mais uma vez.

 

Álbuns do AC / DC classificados

16: ‘Lábio superior rígido’ (2000)

O AC / DC divulgou sua participação nos álbuns sem inspiração, mas ‘Stiff Upper Lip’ sem dúvida leva o bolo. Além de sua faixa título útil, alguns ganchos cativantes (‘Can’t Stand Still’, ‘Safe in New York City’) e decentes blues de blues (‘Satellite Blues’), essas músicas são a própria definição de banda passando os movimentos.

15: ‘Explodir o seu Vídeo’ (1988)

Como ‘Stiff Upper Lip’, ‘Blow Up Your Video’ lançou um par de singles eletrizantes no tandem de abertura de ‘Heatseeker’ e ‘É assim que eu quero rock and roll’, seguido pela joia escondida ‘Go Zone’ e depois … que? Você consegue se lembrar de alguma coisa? Nosso ponto exatamente. Mas para aqueles vislumbres momentâneos de excitação, simplesmente não há muito lá.

14: ‘Gelo Negro’ (2008)

Embora tenha sido visto como um retorno no lançamento, em retrospecto, é óbvio que as vendas impressionantes de ‘Black Ice’ se beneficiaram da ausência de oito anos do AC / DC, um astuto exclusivo do Walmart e até mesmo as possíveis conexões de seu título com ‘Back in Black’. ” Mas, mais uma vez, dois ou três destaques duradouros foram cercados por uma carga sem fim.

13: ‘Mosca na Parede’ (1985)

‘Fly on the Wall’ chegou durante um período particularmente confuso na carreira do AC / DC, quando sua abordagem espartana de hard rock parecia estar em perigo de irrelevância em meio às explosões de thrash e hair metal. Mas embora ‘Shake Your Foundations’, ‘Sink the Pink’ e outras músicas sugiram que a banda estava se esforçando demais para se encaixar, pelo menos eles estavam tentando.

12: ‘Rock or Bust’ (2014)

Talvez as expectativas reduzidas tenham ajudado a causa com ‘Rock or Bust’, mas o primeiro álbum do AC / DC sem o linchamento de guitarra rítmica e o líder Malcolm Young (uma vez absolutamente impensável) acabou sendo um vencedor discreto, completo com máquinas de riffs infecciosas como ‘Play Ball, ‘Sweet Candy’ e a desafiante faixa-título.

11: ‘Flick of the Switch’ (1983)

Os esforços do AC / DC de voltar ao básico depois de dispensar os serviços exatos do produtor “Mutt” Lange, acabaram saindo pela culatra em ‘Flick of the Switch’. Embora alguns números verdadeiramente explosivos, como o recorte do título e ‘Guns for Hire’, tenham se beneficiado claramente dessa abordagem simplificada, eles foram superados por outros que poderiam ter usado um pouco mais de sintonia fina nas composições.

10: ‘Alta tensão’ (1975)

O verdadeiro álbum de estréia do AC / DC, a versão apenas para a Austrália de ‘High Voltage’ tem apenas duas músicas em comum com a edição internacional – um sinal de suas inconsistências formativas. A maioria dos outros finalmente apareceu no EP ‘Jailbreak’ 74 ‘, mas alguns cortes nem chegaram a isso, incluindo a balada de teclado mais esquecida’ Love Song ‘.

9: ‘Ballbreaker’ (1995)

As discussões atuais sobre ‘Ballbreaker’ geralmente envolvem as frustrações pessoais do AC / DC com o produtor Rick Rubin, mas a realidade é que esse foi um sucessor mais do que digno do retorno multi-platina da banda, ‘The Razor’s Edge’. Assim como os singles de rádio necessários, a lista de faixas ‘Ballbreaker’ era impressionantemente consistente e cheirava ao som vintage do AC / DC.

8: ‘Para quem está prestes a arrasar’ (1981)

O sucessor imediato do primeiro ‘Back in Black’, ‘For About About Rock’, recebeu críticas revisionistas e retroativas nos últimos anos, sugerindo que não há muito aqui além da faixa-título catártica. Mas a verdade menos alarmista é que a faixa-título simplesmente supera ofertas muito boas, como ‘Coloque o dedo em você’, ‘Injete o veneno’ e ‘Passeios maus’.

7: ‘The Razors Edge’ (1990)

A produção brilhante e patenteada de Bruce Fairbarn pode parecer um pouco primitiva para conforto, todos esses anos depois, mas pelo menos ele fez o AC / DC trabalhar para o jantar: insistindo que eles aperfeiçoassem cortes memoráveis ​​como ‘Moneytalks’, ‘Are Your Ready’. ‘Mistress for Christmas’ e o mundialmente famoso ‘Thunderstruck’ nos singles de sucesso do hard rock em que se tornaram.

6: ‘Dirty Feeds Done Dirt Cheap’ (1976)

Fiel ao seu título, ‘Dirty Deeds Done Dirt Cheap’ mantém a distinção de ser o álbum mais atrevido do AC / DC de todos, e é exatamente por isso que o amamos. Liderado pela faixa título imparável, antes de lançar as atrevidas ‘Big Balls,’ anthemic ‘Problem Child’ ‘e a jóia épica de’ Ain’t No Fun (Waiting Round para ser um milionário) ‘.

5: «TNT» (1976)

O segundo lançamento doméstico do AC / DC antes de levar sua carreira para o exterior, ‘TNT’ forneceu a espinha dorsal (‘É um longo caminho até o topo’, ‘The Jack’, ‘Live Wire’ etc.) para a versão global de ‘High Voltage ‘, e efetivamente se destaca como o álbum de maior crescimento da banda. Para todos os efeitos, a assinatura musical principal que sustentaria e sustentaria a incrível ascensão na carreira da banda foi estabelecida aqui.

4: ‘Powerage’ (1978)

O queridinho de um crítico e provavelmente o mais profundo álbum do AC / DC, liricamente falando, ‘Powerage’ continua sendo o maior testemunho da poesia do rock and roll de Bon Scott, particularmente em clássicos subestimados como ‘Gone Shootin’, ‘What’s Next to the Moon’ e ‘ Blues de adiantamento. Ah, mas ‘Powerage’ também oferece o martelo em ‘Sin City’ e ‘Riff Raff’, tornando-o um dos LPs mais completos do AC / DC.

3: ‘Estrada para o Inferno’ (1979)

A tão esperada descoberta americana do AC / DC, ‘Highway to Hell’ finalmente conquistou o platô de platina, aplicando apenas os melhores brilhos de superfície (cortesia do produtor “Mutt” Lange) nas verrugas da banda. Então, como os epitáfios musicais acontecem, Bon Scott não poderia ter pedido para deixar os fãs com memórias melhores do que a faixa-título, ‘Walk All Over You’ e ‘Touch Too Much’.

2: ‘Let There Be Rock’ (1977)

A joia da coroa dos anos de Bon Scott, do AC / DC, ‘Let There Be Rock’, apresenta alguns dos grampos de concertos mais populares e mais tocados da banda, entregues com intensidade fumegante e poder incomparável para uma gravação em estúdio. A faixa-título, ‘Whole Lotta Rosie’, ‘Bad Boy Boogie’, além de queimadores menos conhecidos como ‘Overdose’ e ‘Go Down’, fazem deste um dos documentos essenciais do hard rock.

1: ‘De Volta ao Preto’ (1980)

O improvável retorno do AC / DC à beira do desastre sem Bon Scott, as vendas de ‘Back in Black’ são tão colossais, suas músicas são inevitáveis ​​na web, rádio, TV e seu gênio rarefeito, tão incontestável que o álbum quase transcendeu a música para se tornar um verdadeiro monólito cultural. É justo dizer que músicas como ‘Shoot to Thrill’, ‘You Shook Me All Night Long’ e ‘Back in Black’ estão sempre tocando, em algum lugar do planeta – e é exatamente o que deveria ser.

 

Turnê em que Roger Water protestou contra Bolsonaro vira filme

O show começa com “Breathe”, de “Dark Side of the Moon” (1973), que será apresentado quase integralmente

No dia 9 de outubro de 2018, Roger Waters, ex-Pink Floyd, se surpreendeu ao ser vaiado por parte da plateia no Allianz Parque, em São Paulo. Logo após o primeiro turno da eleição presidencial brasileira, colocou no telão a inscrição “#EleNão” e alguns na pista chegaram a xingá-lo de forma violenta.

É mais ou menos este show que agora vira o recém-lançado filme “Us + Them”, com direção do músico e de Sean Evans. No filme, há uma estrutura de telões que desce até a cabeça dos espectadores e na metade final do show, o que não aconteceu no Brasil.

O show começa com “Breathe”, de “Dark Side of the Moon” (1973), que será apresentado quase integralmente. Após “One of These Days, um relógio surge no telão, óbvia senha para “Time”. A música é um grito à juventude e também crítica ao movimento hippie, alertando o ouvinte para se mexer antes que a vida acabe, como em “No one told you when to run/ You missed the starting gun” (ninguém te avisou quando correr/ você perdeu o tiro de partida).

No palco, Waters mostra que é ele quem faz o tique taque com seu baixo, uma curiosa surpresa. Ele assume o vocal e a plateia aparece extasiada, cantando junto. Seguem-se “Breathe (Reprise)” e “The Great Gig in the Sky”, todas entrelaçadas, como no primeiro lado do disco.

Em “Welcome to the Machine”, do álbum “Wish You Here” (1975), Waters troca seu baixo por uma guitarra e acusa a máquina da sociedade de esmagar nossos sonhos, conceito largamente presente em diversas músicas do Pink Floyd.

Após três boas canções de seu último trabalho solo, “Is This the Life We Really Want?”, o tocante dedilhado de “Wish You Were Here” retoma o foco para o Pink Floyd. A plateia canta todas as sílabas, mas não se ouve. A opção dos diretores foi a de privilegiar os instrumentos e microfones dos músicos, e nenhum ruído vaza do público. Isso torna o som mais profissional, mas certamente um pouco mais frio para o que se espera de um show ao vivo.

Um helicóptero “sobrevoa” o estádio. Trata-se apenas de um facho de luz e o barulho da aeronave, mas qualquer fã já sabe o que vem. É o prólogo de “The Happiest Days of Our Lives”, que por sua vez é o prólogo para “Another Brick in the Wall, Part 2”, do disco “The Wall” (1979).

As crianças cantando e o impressionante clipe em que elas caminham na escola até serem moídas como salsichas aqui são substituídas por meninos e meninas atuais, escolhidas com a ajuda de programas sociais nas cidades onde os shows acontecem. No palco, algumas aparecem como os prisioneiros de Guantánamo, com sacos pretos nas cabeças. Muitas outras sobem no palco para uma coreografia de resistência.

Uma plataforma desce no meio do estádio e a estação Battersea, capa do álbum “Animals” (1977), parece surgir das entranhas da terra. Um porco voador, como na época do lançamento do disco há mais de 40 anos, singra pelos ares.

A banda ataca com “Dogs” e, em seguida, “Pigs”, o animal que representa a classe política na fábula do Pink Floyd. “Pigs rule the world” (porcos dominam o mundo), pode-se ler na placa que Waters levanta. Em seguida, “Fuck the pigs!” (fodam-se os porcos), enquanto todos tomam champanhe no palco.

A música começa com o presidente americano Donald Trump estampado no telão, no exato momento em que Waters canta o primeiro “pig” da letra. O músico mostra os dedos do meio de forma raivosa.

A fortuna de Trump faz a ponte para o lado B de “The Dark Side of the Moon”, no que será a apoteose do show, começando com o hit “Money”. A seguinte é a bela “Us and Them”, que dá nome ao filme. “Brain Damage” e “Eclipse” se encadeiam, como no disco. Uma pirâmide de luz colorida explode em três dimensões na tela.

Ao fim, Waters faz ainda um breve discurso para a plateia. No final dos créditos, há um vídeo com crianças brasileiras nos bastidores do show carioca de 2018. “Eu só queria ver um pouco mais de amor”, elas cantam. E aí, sim, fim.

Disco engavetado de Neil Young poderia ter sido um de seus melhores

Veja os detalhes de ‘Homegrown’

O dia 19 de junho de 2020 já pode ser considerado o melhor da pandemia para os velhos, freaks e roqueiros em geral. Foi quando Bob Dylan lançou seu 39ª álbum de estúdio, “Rough and Rowdy Ways”, e Neil Young soltou “Homegrown”, que deveria ter sido seu sétimo disco solo, de 1975.

Havia uma lenda e ela dizia que Young tinha promovido uma festa lá em 1975 para que amigos ouvissem esse disco que pretendia lançar. Após a audição, enquanto cervejas eram entornadas e baseados fumados, alguém colocou para tocar uma fita dos shows que ele e sua banda tinham feito um ano e meio antes, apenas com músicas inéditas, e de repente aquilo virou o assunto do convescote.

Segundo essa história, os amigos disseram que os shows de 1973 eram melhores que o novo disco gravado em dezembro de 1974 e janeiro de 1975. Então, Young foi convencido e resolveu lançar os antigos shows no lugar de “Homegrown”, abrindo espaço para o disco “Tonight’s the Night” (1975).

No ano passado, entretanto, Young escreveu em seu site que, na época, após ter terminado com a companheira, engavetou a obra por tê-la considerado pessoal demais. “É o lado triste de um caso de amor. Coração machucado. Eu simplesmente não podia escutá-lo. Queria seguir em frente”, justificou.

E então, na sexta passada (19), 45 anos depois do inicialmente pretendido, “Homegrown” foi desenterrado e suas 12 músicas viram à luz do sol. Para quem é fã e acompanha cada respiro do cara, é importante dizer que pelo menos quatro músicas foram lançadas em discos posteriores. Mais informações abaixo.

Quanto às inéditas, “Separate Ways” abre o disco e por si só já vale o lançamento. Ela traz o clima das canções de “Harvest” (1972), o maior sucesso comercial de Young, e mais especificamente de “Old Man”, com um dedilhado estilo country, uma steel guitar vibrante e um baixo bem predominante. Talvez seja um pouco depressiva, como as canções do lado B do disco “On the Beach”.

A letra não nega: “We go our separate ways/ Looking for better days/ Sharing our little boy/ Who grew from joy back then” (nós vamos em caminhos separados/ procurando dias melhores/ dividindo nosso garotinho/ que cresceu de uma felicidade lá atrás). E depois “Me for me/ You for you/ Happiness is never through” (eu por mim/ você por você/ a felicidade nunca é completa).

Em “Try”, o clima melhora um pouco. Young começa cantando com seu sotaque totalmente caipira, puxando o “erre” em todas as estrofes. Mas traz um pouco de otimismo para a separação, concluindo que “We got lots of time/ To get together if we try” (Nós temos muito tempo/ para ficar juntos, se tentarmos).

“Mexico” é uma balada mais parada, só com o piano. Apesar do nome, não traz uma pitada de música mexicana (ao contrário de Bob Dylan, que lançaria “Romance in Durango” um ano depois, em 1976, como se fosse um legítimo nativo do outro lado do muro de Trump).

Seguem mais duas músicas com nomes de lugares, agora de estados americanos, “Florida” e “Kansas”. Mas a primeira não é uma canção, é mais um poema falado com alguns barulhos. A segunda é uma típica balada de Young, ao violão e com gaita.

“We Don’t Smoke It No More” é uma jam instrumental. Em cima de um blues arrastado, clássico, o nome da música é cantado uma ou duas vezes, mas seus quase cinco minutos nada acrescentam ao álbum.

Já “White Line” é uma joia, uma descendente direta de “Heart of Gold” (1972). Traz solinhos bacanas de um violão enquanto outro acompanha o vocal. E, sim, a gaita volta com toda sua melodia e mágica .

“Vacancy” é outro clássico instantâneo do compositor, mas esse é dos mais pesados, no estilo cantado em coro e com notas simples repetidas ao infinito. “Are you my friend?/ Are you may enemy?/ Can we pretend to live in harmony?” (você é minha amiga?/ você é minha inimiga?/ podemos fingir viver em harmonia?), ele pergunta.

Essa granada sonora poderia facilmente estar no rol daquelas em que Young sola por sete, oito ou dez minutos, mas ele se contém e termina em pouco menos de quatro. Uma pena.

Das quatro não inéditas, uma delas saiu regravada em uma versão diferente, no disco “American Stars ‘N Bars” (1977).

É a versão original da música “Homegrown”, que dava nome ao disco já em 1975. É menos bem acabada, menos polida, que a versão lançada em 1977, mas, talvez por isso mesmo, melhor. Tem mais cara de Neil Young.

Começa como uma jam, com gente falando no estúdio, e tem guitarras-base mais predominantes e solos mais crus, lembrando um pouco o clima do épico “Down By The River”, de seu disco de 1969, “Everybody Knows This Is Nowhere”.

As outras três não inéditas já haviam sido lançadas nas mesmíssimas gravações ouvidas aqui. “Star of Bethlehem” também saiu em “American Stars ‘N Bars”, enquanto a impressionante gaita de “Little Wing” abriu o álbum “Hawks & Doves”, em 1980.

Por fim, “Love Is a Rose” já havia constado da coletânea tripla (ou dois CDs) que Young lançou para comemorar dez anos de carreira, “Decade”, em 1977. Curiosidade: “Love Is a Rose” é um autoplágio de Young. Em 1971, sua banda de apoio, a Crazy Horse, lançou um álbum próprio, e gravou ali a música “Dance, Dance, Dance”. Escute as duas na sua plataforma de streaming e constate.

Mesmo com uma ou duas partes dispensáveis, não há dúvida de que “Homegrown” é um grande disco e teria sido, se lançado em 1975, um dos melhores da carreira de Neil Young. Hoje acaba sendo mais uma curiosidade. Mas uma curiosidade para lá de boa.

HOMEGROWN

Onde: disponível nas plataformas digitais

Autor: Neil Young

Avaliação: muito bom

QUEEN É HOMENAGEADO COM 13 NOVOS SELOS POSTAIS

A Royal Mail anunciou que está homenageando o Queen em uma série de selos que serão lançados no dia 9 de julho, juntando-se ao Pink Floyd, David Bowie e Elton John, que já apareceram em selos britânicos. O novo conjunto consiste em capas de álbuns do Queen e imagens de suas performances ao vivo.

Oito dos 13 selos da coleção Queen retratam os seguintes registros:

Queen II (1974): O segundo álbum do grupo, apresentando o single “Seven Seas of Rhye”. A foto da capa foi tirada por Mick Rock e depois recriada para o vídeo “Bohemian Rhapsody”.

Sheer Heart Attack (1974): O terceiro álbum do Queen contém o hit “Killer Queen”, além de “Now I’m Here”, “Brighton Rock” e “Stone Cold Crazy”.

A Night at the Opera (1975): a obra-prima da banda, é o quarto álbum do Queen e apresenta a épica “Bohemian Rhapsody”.

News of the World (1977): O sexto registro do grupo contém os hinos perenes “We Will Rock You” e “We Are the Champions”, ambos sempre fechando suas apresentações ao vivo.

The Game (1980): O Queen conquistou o mundo em 1980 com seu oitavo álbum de estúdio, apresentando duas de suas canções número um nos EUA: o lançamento rockabilly “Crazy Little Thing Called Love” e “Another One Bites the Dust”.

Greatest Hits (1981): Uma coleção das canções memoráveis ​​do Queen dos seus primeiros 10 anos, Greatest Hits vendeu mais de 6 milhões de cópias no Reino Unido – tornando-o o álbum mais vendido de todos os tempos.

The Works (1984): Considerado um disco de retorno em seu lançamento original, o The Works contém o grande sucesso “Radio Ga Ga”, junto com “I Want to Break Free” “Hammer to Fall” e “It’s a Hard Life”.

Innuendo (1991): O último álbum de estúdio do Queen lançado durante a vida de Freddie Mercury, Innuendo lembra sonoramente os álbuns dos anos 70 da banda e apresenta faixas de destaque como a música-título, “Headlong”, “I’m Going Slightly Mad” e “The Show Must Go On”.

Os selos restantes são impressos em uma folha em miniatura com os membros individuais no palco ao longo dos anos: Mercury e May na Magic Tour de 1986; Taylor no Hyde Park em 1976; e John Deacon no Hammersmith Odeon em 1975. A folha é acentuada por um retrato de grupo em preto e branco de 1974.

“Com seu som teatral verdadeiramente original e a capacidade fácil de misturar estilos musicais, o Queen é a realeza do rock”, observou Philip Parker, do Royal Mail, em um comunicado. “Prestamos homenagem a uma das bandas mais amadas de todos os tempos com esses selos impressionantes. “

 

Carta aberta: Artistas em apoio a casas de show independentes dos EUA

Cerca de 700 artistas endereçaram uma carta aberta pedindo aos parlamentares dos EUA que apoiem as casas de shows independentes em todo o país.

Com o título de #SaveOurStages, a campanha mobilizou músicos, atores e comediantes a redigirem uma carta acompanhada de suas assinaturas, pedindo que o Congresso dos EUA forneça assistência para os locais que estão lutando para sobreviver devido ao encerramento de suas atividades por causa da pandemia.

Entre os nomes na campanha da National Independent Venue Association estão Ozzy Osbourne, Robert Plant, os membros da banda Foo Fighters, Alice Cooper, Neil Young, Alan Parsons, Duff McKagan, a banda Queensryche, Zakk Wylde e a banda Halestorm.

O conteúdo enviado ao congresso em 18 de Junho é o seguinte: “Nós, os artistas abaixo-assinados, enviamos respeitosamente esta carta em apoio ao pedido da Associação Nacional de Locais Independentes para assistência federal á locais e promotores independentes de música nos Estados Unidos. Saberemos que a América está de volta á vida normal quando nossos pubs e casas de show estiverem cheios de fãs curtindo os eventos com segurança. A experiência de música ao vivo está absolutamente ligada ao tecido cultural e econômico de nossa nação. De fato, 53% dos americanos, ou seja, 172 milhões, assistiram a um show no ano passado. Pedimos que os senhores lembrem que somos a nação que deu ao mundo o jazz, o country, o rock’n’roll, o metal, p blues e o R&B. O entretenimento é a maior exportação econômica da América, com músicas escritas e produzidas por artistas americanos cantadas em todos os lugares do mundo.

A carta segue: “Todos esses gêneros musicais, e os artistas por trás deles, conseguiram prosperar porque tinham os pequenos pubs, locais independentes, para tocar e aprimorar seu ofício, formar seu público e crescer como artistas que trazem alegria á milhões. Esses locais geralmente são como o primeiro estágio do contato profissional com a música, onde a maioria dos artistas tiveram seu início. E eles foram os primeiros a fechar e serão os últimos a reabrir. Com receita zero e a sobrecarga esmagadora de aluguel, hipoteca, serviços públicos, impostos e seguros, 90% dos locais independentes relatam que, se o isolamento durar seis meses e não houver assistência federal, eles nunca reabrirão novamente. Pedimos que os senhores apoiem o pedido de assistência para que esses locais possam reabrir quando for seguro e recebam nossos fãs e a nós de volta. O colapso desse elemento crucial no ecossistema da indústria da música seria devastador. Com respeito e solidariedade, nós, como artistas que formamos nosso público dentro desses locais e hoje temos nosso nome impresso na história da música e como membros da comunidade, solicitamos que os senhores aprovem uma legislação federal que ajudará a #SaveOurStages”.

No início deste mês, Horace Trubridge, da Union of Musicians do Reino Unido e Julian Bird, chefe executivo da Society of London Theatre, disseram que 70% das casas de show e teatros do Reino Unido corriam risco de fechamento permanente, a menos que o governo tomasse medidas. A notícia veio depois que o Music Venue Trust (entidade filantrópica britânica fundada em Janeiro de 2014, responsável por ajudar a manter muitos locais destinados á arte e cultura no Reino Unido) lançou a campanha #saveourvenues em Abril para apoiar 556 locais ameaçados de fechamento permanente em todo o país.

Para acompanhar mais infomações, veja a página da campanha.

FONTE: NIVA

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